The show must go on, aber wie genau?

Licht, Mikrofone, Schauspieler, Bühnenbilder, Requisiten, Perücken und Make-up. Wie funktioniert das alles? Und vor allem: Wer ist für all das verantwortlich? Heute stelle ich euch die wichtigsten Personen und Abteilungen vor, die dafür sorgen, dass bei einer Musicalproduktion alles reibungslos läuft. Die meisten dieser Abteilungen gibt es in jeder Produktion, aber je nach Bedarf der jeweiligen Show können es mehr oder weniger sein. In diesem Beitrag nehme ich meine aktuelle Arbeitsstelle, das Musical „Die Eiskönigin“, als Beispiel.

Diejenigen, die auf der Bühne stehen

Die Cast

Für die meisten Menschen ist der offensichtlichste und sichtbarste Teil einer Musicalproduktion die Cast. Wir proben und spielen zusammen und sind, um es mal so auszudrücken, das Gesicht der Show. Innerhalb der Besetzung gibt es viele verschiedene Positionen zu besetzen, wie Hauptdarsteller, Zweitbesetzungen, Alternates und Swings. Ich werde später in einem separaten Beitrag auf all diese Details eingehen. Jede Besetzung hat ein paar sogenannte „Captains“. Sobald eine Show Premiere feiert, sind sie dafür verantwortlich, die Qualität der Aufführung aufrechtzuerhalten. Das bedeutet, die Show aus dem Publikum zu beobachten, Anmerkungen zu geben und Nachproben zu leiten. Dies sind ein paar „Captain“-Positionen, mit denen ich in meinen bisherigen Produktionen zusammenarbeiten durfte:

• Die Dance Captains sind für alles verantwortlich, was mit Bewegung und Choreografie zu tun hat. Sie proben mit neuen Ensemblemitgliedern und sind außerdem für das Schreiben von Split- und Cut-Shows zuständig, falls diese erforderlich werden.

• Fight Captains sind für alle inszenierten Stürze und Kämpfe verantwortlich. In der Regel findet vor jeder Vorstellung (außer bei Doppelvorstellungen, bei denen die Besetzung gleich bleibt) eine separate Kampfprobe statt, um die Kämpfe und Stürze ein letztes Mal zu proben und sicherzustellen, dass alles sicher abläuft und sich niemand verletzt.

• Die Vocal Captains sind dafür verantwortlich, dass der Gesang des Ensembles sauber und präzise bleibt.

• Puppet Captain – eine Position speziell für Frozen, aber der Puppenkapitän ist dafür verantwortlich, Informationen über die Puppen weiterzugeben, was wir tun dürfen und was nicht, wie wir mit der Puppe und dem Schauspieler umgehen sollen, während sie sich in der Puppe befinden, und darüber hinaus spielt er eine große Rolle bei der Einarbeitung und dem Proben neuer Leute, die mit der Puppe in Kontakt kommen (trinken Sie einen Schluck Wasser für jedes Mal, wenn ich in dieser Erklärung das Wort „Puppe“ verwendet habe).

Die Rolle des Dance Captains (DC) ist unglaublich anstrengend und mit viel Verantwortung verbunden. Für viele DCs bedeutet sie eine zusätzliche Arbeitsbelastung, da sie ohnehin schon als Swing tätig sind. Viele Überstunden fallen an, um sicherzustellen, dass die Qualität der Show über die Zeit konstant bleibt. Es ist eine großartige Ergänzung für den Lebenslauf, aber man muss auf den Mehraufwand vorbereitet sein.

Diejenigen, die sich hinter der Bühne befinden

Künstlerische Leitung

Nach der Premiere der Show und dem ursprünglichen (in der Regel internationalen) kreativen Team das Gebäude verlässt, liegt die Leitung der Aufführung in den Händen des Künstlerischen Leitung. Er oder sie ist der Hauptansprechpartner für das Ensemble in allen Belangen: von Urlaub und Proben bis hin zu unvorhergesehenen Ereignissen während der Aufführung (beispielsweise gefährliche Situationen wie nasse und rutschige Böden oder zu laute Personen hinter der Bühne während ruhiger Szenen). Wie die Dance Captains, ist auch der Künstlerische Leiter:in für die Qualität der Aufführung verantwortlich. Er/Sie sieht sich die Aufführung regelmäßig an, um sich Notizen zum Schauspiel und zur Szenenanordnung zu machen und Informationen aus anderen Abteilungen an die Schauspieler auf der Bühne weiterzugeben, probt neue Darsteller:innen in ihre Rollen und Szenen ein und ist – meiner Meinung nach – der Kitt, der alles zusammenhält und für einen reibungslosen Ablauf sorgt.

Bühnenmanagement

Bühnenmanagement ist ein Oberbegriff für ein breites Spektrum an Positionen, die alle mit der Organisation und Koordination einer Theaterproduktion zu tun haben. Sollte während einer Vorstellung etwas schiefgehen, ist das Bühnenmanagement der richtige Ansprechpartner. Sie dokumentieren Verletzungen während der Arbeitszeit für Versicherungszwecke, sorgen dafür, dass man rechtzeitig zur Probe erscheint und öffnen dir die Tür zur Garderobe, falls diese versehentlich verschlossen war. Sie drucken und bearbeiten Probenpläne und Cut Plans und bringen bei Bedarf einen Kühlbeutel. Dies sind die eher alltäglichen Aufgaben, die außerhalb der Vorstellung erledigt werden. Sobald sich der Vorhang hebt, läuft jedoch alles auf Hochtouren. Genau wie wir Schauspieler während einer Vorstellung bestimmte „Tracks“ (oder Wege) haben, denen wir folgen, haben auch die Mitarbeiter hinter der Bühne ihre festen Abläufe. Sie gehen jeden Abend einen festgelegten Weg mit bestimmten Aufgaben. Eine dieser Aufgaben im Bühnenmanagement ist die des „Floaters“. Der Floater ist im Grunde die rechte Hand und das zweite Augenpaar des Callers. Sie befinden sich während der Vorstellung hinter der Bühne und sind unter anderem dafür verantwortlich, dass bewegliche Bühnenelemente nicht mit den Darstellern kollidieren. Sie halten die Bühnenklappen offen, damit alles passieren kann, und geben dem Ansager das Zeichen, sobald sich etwas oder jemand in die nächste Position begeben kann. Sie sorgen dafür, dass alle sicher sind und die Vorstellung reibungslos ablaufen kann.

Techniker, Requisiteure und das Puppenteam

Dies ist ein Oberbegriff für alle, die während der Vorstellung hinter der Bühne arbeiten und nicht zur Bühnenleitung gehören. Sie kümmern sich um Requisiten, bewegen Bühnenelemente und stellen sicher, dass bewegliche Bühnenelemente vor und nach dem Transport auf und von der Bühne an ihrem richtigen Platz sind. Während der Floater für die Darsteller auf der Bühne zuständig ist, hat der Seitenmeister eine ähnliche Verantwortung für die beweglichen Elemente und Bühnenbilder. Seine oder ihre Aufgabe ist es, die sich bewegenden Elemente im Auge zu behalten und bei Problemen sofort einzugreifen. Sollte eine Requisite kaputtgehen, bringt man sie zu den Technikern, die dich entweder zum Requisiteur weiterleiten oder sie selbst dorthin bringen.

Die Aufgabe des Requisiteurs ist selbsterklärend: Er oder sie sorgt dafür, dass alle Requisiten der Aufführung in einwandfreiem Zustand sind, sorgsam behandelt werden und im Falle eines Defekts repariert werden. Eine wichtige Theaterregel lautet: Man fasst niemals eine Requisite an, die einem nicht gehört! Und wer es doch tut, kann sicher sein, dass der Requisiteur ein Auge auf einen hat!

Diese letzte Kategorie ist sehr spezifisch für „Die Eiskönigin“ und spricht für sich selbst: Das Puppenteam ist – in unserem Fall – für die Olaf- und Sven-Puppen zuständig. Sie reparieren sie, falls etwas kaputt geht, sorgen dafür, dass sie sauber und in einwandfreiem Zustand bleiben und helfen den Schauspielern während der Vorstellung beim Anziehen und Ausziehen der Puppen.

Dressers und Kostümabteilung

Was wäre ein Musical ohne wunderschöne Kostüme? Die Kostümabteilung einer Show ist für Anproben, Änderungen und die Überarbeitung bestehender Kostüme verantwortlich, damit diese perfekt zum jeweiligen Schauspieler passen. Sie nehmen Anpassungen und Reparaturen vor, falls etwas reißt (und glaubt mir, ich finde immer einen Weg, ein Kostüm zu zerreißen…) und erhalten manchmal die Freiheit vom ursprünglichen Kostümbildner, den Entwurf etwas abzuändern. Während der Vorstellung sind sie jedoch nicht hinter der Bühne. Hier kommen die Dressers ins Spiel. Jeder Kostümwechsel – ob schnell oder nicht – ist nur dank eines fantastischen Dresser-Teams möglich. Wie alle hinter der Bühne haben auch sie ihren eigenen Aufgabenbereich (in diesem Fall meist als „Parts“ bezeichnet), und in der Regel beherrscht eine Dresser:in sogar mehrere Rollen. Sie wechseln sich mit jeder Vorstellung ab (manchmal kleidet jemand dieselbe Rolle an einem Tag mit zwei Vorstellungen ein, aber selbst dann wird der Tag möglicherweise auf zwei Personen aufgeteilt) und arbeiten tagsüber in Schichten, um die Kostüme für die kommende Vorstellung vorzubereiten. Sie kümmern sich um kleine Risse oder lose Nähte, die sie in der Regel von Hand nähen, und kümmern sich um die Wäsche der Darsteller und bereiten alles vor, was möglich ist, für die nächste Vorstellung, nachdem alle anderen normalerweise schon nach Hause gegangen sind. Sie arbeiten lange Tage und Stunden und bekommen meiner Meinung nach nicht genug Anerkennung für all das, was sie für uns leisten!

Haare und Make-up

Die meisten Shows verwenden Perücken, um ein einheitliches Erscheinungsbild zu erzielen und Mikrofone zu verbergen. Um unter dem grellen Bühnenlicht gut auszusehen, tragen wir alle etwas Make-up. Die Maskenabteilung hilft uns dabei! Jede Show hat von Anfang an ein bestimmtes Design. Das gilt für die Kostüme, aber auch für Haar und Make-up. Das hauseigene Team erhält von den Kreativen des ursprünglichen Projekts klare Anweisungen zum gewünschten Haar- und Make-up-Stil, meist begleitet von einem Buch mit Referenzbildern. Das Team schult die Schauspieler, wie sie den gewünschten Look erzielen, und stellt ihnen die benötigten Produkte zur Verfügung. Manchmal lassen sich die Schauspieler auch vom Maske-Team schminken. Meiner Erfahrung nach ist das von Show zu Show und von Schauspieler zu Schauspieler unterschiedlich. Manche schminken sich lieber selbst, weil sie es können oder weil es ihnen Spaß macht, andere bevorzugen die Hilfe von jemandem, der sich besser auskennt. Das Gleiche gilt für Perücken, wobei es üblicher ist, dass jemand aus der Maske die Haare vorbereitet und die Perücke aufsetzt.

Die Herstellung der Perücken ist ein interessanter Prozess. Sobald ein Darsteller besetzt ist, wird sein Kopfumfang exakt vermessen, damit die Perückenmacher eine genaue Referenz für Kopfform und Haaransatz haben. Darauf basierend wird dann eine neue Perücke geknüpft. Ein Stück Spitze wird so zusammengenäht, dass es der Kopfform entspricht. Anschließend werden mit einer kleinen Nadel kleine Haarbüschel in die Spitze geknüpft, um die Perücke herzustellen – ähnlich wie beim Häkeln. Dies kann im Theater selbst geschehen, wird aber oft an externe Dienstleister vergeben, da eine große Anzahl von Perücken relativ schnell angefertigt werden muss. Nach der Herstellung (in der Regel aus 100 % Echthaar) werden die Perücken gewaschen, behandelt (falls sie beispielsweise eine bestimmte Haarstruktur wie Locken oder Wellen erhalten sollen) und dem Darsteller angepasst. Es ist auch üblich, beispielsweise bei einem Besetzungswechsel, Perücken von ausscheidenden Darstellern an neue Darsteller zu tauschen, sofern die Kopfgrößen übereinstimmen.

Nach jeder Vorstellung werden die Perücken vom Haar- und Make-up-Team für den nächsten Auftritt neu gestylt. Wenn ein Künstler im Urlaub oder anderweitig für längere Zeit abwesend ist, wird die Perücke in der Regel komplett gelöst, gewaschen, gepflegt und neu gestylt, damit sie für ihren nächsten Bühnenauftritt in perfektem Zustand ist.

Diejenigen, die sich im Auditorium befinden

Ton

Diejenigen, die am Mischpult arbeiten, haben eine unglaublich schwierige Aufgabe. Sie verfügen über ein riesiges Mischpult mit unzähligen Reglern und Kanälen, die jedem einzelnen Mikrofon auf der Bühne und jedem Orchestermitglied zugeordnet sind. Es liegt in ihrer Verantwortung, während der gesamten Show dafür zu sorgen, dass alles und jeder ausgewogen klingt.

In der ersten technischen Phase einer neuen Produktion wird ein Sounddesign erstellt. Dieses dient als Grundlage für jede Aufführung. Doch wie wir im Live-Theater wissen, gleicht keine Vorstellung der anderen! Jedes Mal, wenn ein Swing, ein Cover oder ein Ersatzmusiker im Orchester auftritt, müssen während der Vorstellung Anpassungen vorgenommen werden. Der Tontechniker achtet außerdem darauf, dass das Mikrofon jeder Darsteller eingeschaltet ist, wenn er Text hat (oder spielt, wenn wir vom Orchester sprechen), und ausgeschaltet, wenn er nicht zu hören sein soll. Ganz schön stressig, wenn du mich fragst!

Die rechte Hand des Tontechnikers im Zuschauerraum ist die Person hinter der Bühne im Radioraum. Gemeinsam stellen sie vor der Vorstellung jedes einzelne Mikrofonkabel und Mikrofonpaket ein und überprüfen es. Die Person im Radioraum überprüft das Mikrofon erneut, sobald der Schauspieler es auf dem Kopf trägt, um eventuelle Störungen auszuschließen oder eine Positionsänderung zu erzwingen. Sie ist außerdem die erste Anlaufstelle, falls etwas kaputtgeht.

Beleuchtung

Die Lichtabteilung kann in mehrere Bereiche unterteilt werden. Es gibt die Person am Lichtpult während der Vorstellung und die Mitarbeiter, die die einzelnen Scheinwerfer bedienen. Nachdem das Lichtdesign in der technischen Vorbereitungsphase abgeschlossen ist, überprüfen die Lichttechniker vor jeder Vorstellung die Scheinwerfer und das System und stellen während der Vorstellung sicher, dass in den jeweiligen Szenen die richtigen Lichter eingeschaltet sind. Dies gilt nicht nur für die großen Bühnenscheinwerfer oder die LED-Streifen an den Seiten, sondern auch für die LED-Wände im Hintergrund (wie beispielsweise bei „Die Eiskönigin“).

Lass dich nicht von der scheinbaren Einfachheit der Stellenbeschreibung eines Verfolgers täuschen: einfach dieser Person während der Szene folgen! Sie müssen jedes Mal unglaubliche Höhen überwinden und einen sehr schweren Scheinwerfer bedienen, während Sie gleichzeitig versuchen, die Bewegungen der Person in Echtzeit zu verfolgen. Den Scheinwerfer exakt so auszurichten, dass die Schauspieler optimal ausgeleuchtet sind, ist eine äußerst präzise Aufgabe.

Caller

Der Caller einer Theatervorstellung zu sein, ist meiner Meinung nach einer der stressigsten Jobs im gesamten Theaterbereich. Ohne ihn oder sie gibt es keine Vorstellung. Macht der Caller einen Fehler, gibt es höchstwahrscheinlich Showstop. Der gesamte Ablauf der Vorstellung hängt von ihm/ihr ab, und ich habe größten Respekt.

Sie sind im Grunde die treibende Kraft der Aufführung. Die Caller erstellen einen sogenannten „Cue Sheet“ oder „Run Sheet“. Dies ist ein detaillierter Zeitplan aller technischen und musikalischen Einsätze (Auslöser für eine Aktion zu einem bestimmten Zeitpunkt, zum Beispiel ein Wort, das der Schauspieler spricht, eine Bewegung oder ein bestimmter Akkord in der Musik) der Aufführung. Es ist unerlässlich, dass der Caller sicherstellt, dass sich alle technischen Beteiligten genau daran halten. Sie stehen während der Aufführung mit allen anderen Abteilungen in Kontakt und geben ständig individuelle Einsätze. Sie führen ein großes Buch, in dem sie das Skript und die Noten aufbewahren und in dem sie die Einsätze notieren, die sie welcher Abteilung, mit welchem ​​Namen und zu welchem ​​Zeitpunkt der Aufführung geben müssen.

Das Erlernen des „Show-Calling“, wie wir es nennen, ist ein langer und stressiger Prozess. Aber diese Menschen sind der eigentliche Motor hinter allem, was man auf der Bühne sieht.

Orchester

Und schließlich das Orchester! Was wäre ein Musical ohne Musik – sie ist der Motor der Handlung, weckt Emotionen und sorgt für Gänsehaut. Leider haben die meisten großen Produktionen nach unzähligen Möglichkeiten gesucht, um Geld zu sparen, sodass die Orchester deutlich geschrumpft sind und stattdessen Platz für eine Key-Comp mit vielen verschiedenen Instrumenten machen mussten. Nichts geht über den Klang und die Synergie eines Live-Orchesters mit den Darstellern auf der Bühne. An der Spitze des Orchesters steht der Dirigent. Manchmal spielt er während der Vorstellung auch selbst ein Instrument, konzentriert sich aber klassischerweise ausschließlich auf die Leitung der Musiker und Schauspieler. Es gibt einen musikalischen Leiter und ein paar (meist zwei oder drei) Dirigenten, die einspringen können. Bei „Die Eiskönigin“ zum Beispiel haben wir insgesamt vier Dirigenten. Im Orchester selbst gibt es Musiker, die – um es mal so auszudrücken – in ihrer jeweiligen Rolle als „erste Besetzung“ gelten, und außerdem einige Aushilfen, die einspringen, wenn Musiker krank oder im Urlaub sind. Die ständig wechselnde Kombination aus Musikern und Schauspielern sorgt für ein bezauberndes und einzigartiges Erlebnis bei jeder Vorstellung, und ich hoffe sehr, dass große Orchester bald wieder im Musicaltheater zu sehen sein werden!

Abschließend

Wie aus den verschiedenen Positionen, die ich in diesem Beitrag erwähnt habe, hoffentlich deutlich wird, braucht es ein ganzes Team, damit eine Show reibungslos abläuft. Arbeiten wir also alle zusammen? Absolut! Kennen wir uns alle? Leider nein. Ich habe zum Beispiel die Leute, die hinter den folgenden Positionen sitzen, noch nie getroffen; unsere Wege kreuzen sich einfach nie. Ich kenne auch nicht alle aus dem Orchester, da sie im Graben spielen und ich auf der Bühne bin. Die meiste Zeit verbringe ich hinter der Bühne mit meinen Darstellern, den Technikern, der Bühnenleitung und den Garderobieren. Und selbst da kenne ich nicht alle besonders gut, weil unsere Abläufe hinter der Bühne so unterschiedlich sind. Zum Beispiel kennen nur wenige Dresser der Part der „Anna“, daher kenne ich auch nicht alle wirklich gut! Das finde ich schade, und ich bemühe mich sehr, mit allen in Kontakt zu treten, aber die Liste ließe sich noch fortsetzen!

Ich hoffe, dass ihr nach dem Lesen dieses Textes eine bessere Vorstellung davon habt, was (und vor allem wen) nötig ist, um eine Theaterproduktion am Laufen zu halten, und dass ihr erkennt, dass im Theater für jeden ein Platz ist.

Wir sehen uns beim nächsten Mal!

Liefs,
Lyssa 💕

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